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      難得一見的克里姆特風景畫:奢華、絢麗,以及神秘

      古斯塔夫克里姆特(Gustav Klimt,1862—1918),是出身維也納的象征主義畫家,也是維也納分離派運動最具代表性的成員之一,他以描繪華麗、金色的女子著稱。

      古斯塔夫·克里姆特(Gustav Klimt,1862—1918),是出身維也納的象征主義畫家,也是維也納分離派運動最具代表性的成員之一,他以描繪華麗、金色的女子著稱。那些崇拜(或鄙視)克里姆特的人可能會驚訝地發現,他也曾走出家門,將對自然的渴望融入夏日創作中。

      紐約新美術館(Neue Galerie)正在舉辦的“克里姆特的風景”(Klimt Landscapes),向世人展示了這位名畫家悠閑自在地畫著草地和花園。這就是當時他所有的快樂——一片梨樹林,陽光折射出眼花繚亂的色彩,絢爛到沒有陰影。展覽中的一件《向日葵》(1907-1908年),可以解讀為艾米麗的肖像,風景、寓言、珠寶、帷幔和裝飾都融合在精致神秘之中。

      紐約新美術館“克里姆特的風景”展覽入口


      1901年,克里姆特抱怨說:“維也納太可怕了,一切都是干巴巴的、熱的,再加上這些工作,‘忙亂、喧囂’——我從沒有像現在這樣渴望離開?!碑斔娴臄[脫了那些苛刻的客戶和他自己完美主義的負擔時,他把自己對細節的品味揮霍在了成熟的水果、寶石般的花朵和熒光綠色的草地上。他的靛藍長袍罩衫與他的生命友伴兼繆斯艾米莉·弗洛格(Emilie Fl?ge)放松地創作著。

      克里姆特和他的繆斯女神艾米莉·弗洛格在阿特湖花園中的照片 (1909)


      “克里姆特風景畫”的展覽名,暗示著對克里姆特生命最后二十年中所畫的公園、果園和雜樹進行了研究,這些風景描繪了他在奧地利阿特湖度過的夏天,卻并不廣為人知,盡管如此,2002年克拉克藝術學院舉辦過專門關注這些風景畫的展覽,當時展出了十幅克里姆特的風景。相比之下,新博物館由賈尼斯·斯塔格斯(Janis Staggs)策劃的展覽,只包含五幅晚期風景畫,而且并不總是最好的,因為其中一半以藤蔓覆蓋的森林小屋和湖邊別墅為中心,展覽中還展出了1880年代至1900年代的五幅較小的畫作,涉及克里姆特從浪漫學院主義向晚期風景畫的發展。

      展覽現場,克里姆特的風景作品。


      在這些風景畫中,自然主義和抽象主義經常通過放大或粗糙的點來表現,這種點彩畫讓人想起修拉的點彩??死锬诽刂苯釉诋嫴忌献鳟?,由此產生的大量綠色紋理幾乎填滿了整個表面。

      這一時期,除了莫奈,很少有藝術家的風景畫能像克里姆特那樣激進。在某種程度上,他的現代主義樹木帶著抽象表現主義的前奏,尤其是波洛克的滴畫和羅斯科的大塊色彩。1909年的《公園》(The Park)已經預示了雛形。

      克里姆特,《公園》,1909年或更早


      藝術與設計(工藝)間的連續

      在20世紀之交的十幾年中,克里姆特從一位著名的、官方認可的藝術家(接受公共委托的藝術家)轉變為維也納前衛藝術的領導者,他主要靠接受私人委約肖像畫為生。 他是維也納分離派的創始人和第一任主席,該派本質上是一個成立于1897年的藝術家協會,旨在對抗該市藝術機構的古板。

      克里姆特,《田園》,1884年


      1903年,兩位分離派成員(也是克里姆特的朋友)——建筑師約瑟夫·霍夫曼 (Josef Hoffmann) 和設計師科洛曼·莫澤 (Koloman Moser)——創建了維也納工廠 (Wiener Werkst?tte),其目的是將應用美術提升到藝術的水平,并將它們結合在統一的室內設計中。 他們的專長之一是幾何圖案。試想一下,如果克里姆特畫中沒有幾何圖案,他的肖像畫或更多地停留在薩金特或惠斯勒的領域。

      紐約新美術館位于曼哈頓,2001年由畫商瑟奇·塞巴斯基和收藏家羅納德·勞德建立,主要收藏20世紀早期的德國和美國藝術品,尤以收藏克里姆特的作品著稱,其中包括其巔峰之作,1907年閃閃發光的《阿黛爾·布洛赫-鮑爾肖像》(Portrait of Adele Bloch-Bauer I)——她是克里姆特最大的藏家之一——精致而高貴。自博物館創始人勞德收購以來,這幅作品一直在新畫廊的二樓永久展出。 

      克里姆特,《阿黛爾·布洛赫-鮑爾肖像》,1907


      策展人從館藏中汲取靈感,用大量視覺和檔案材料包圍了現有的幾幅克里姆特風景畫,其中一些材料令人耳目一新。包括了家庭照片、克里姆特畫作的珂羅版復制品,以及足以使他成為第一位現代藝術明星的藝術家的照片。展覽還包括了維也納裝飾藝術工廠(Wiener Werkst?tte)設計制作的家具、珠寶、銀制品和相關服裝;海報和明信片。除館藏外,展品還來自哈佛藝術博物館、現代藝術博物館和維也納博物館,以及私人收藏。它們像許多等待被連接的點,結合在一起,形成了一個關于克里姆特的生活、工作和周遭環境的不同尋常的親密線索。

      展覽現場,海報、明信片、書籍等文獻與作品一同展出。


      也許其中最重要的元素是克里姆特和艾米莉·弗洛格(她的姐姐海倫與古斯塔夫·克里姆特的兄弟恩斯特·克里姆特結婚,她是古斯塔夫·克里姆特的小姨子),弗洛格伴他度假,為他的作品注入活力,并在她設計和穿著的服裝中反映他的感性。 在一張又一張的照片中,我們看到她為自己塑造的“改革禮服”——飄逸、圖案華麗的長袍,將女性的身體從綁帶和蕾絲中解放出來。明亮的紡織品與夏季的華麗花園相映成趣,艾米麗與風景融為一體,成為女性理想的創造者和化身。

      展覽現場


      艾米莉·弗洛格也是一位時裝設計師。她和兩個姐妹創辦了“弗洛格姐妹” (Schwestern Fl?ge)時裝工坊,這是一家專門為維也納時尚女性服務的新潮設計沙龍。展覽有一個展廳里陳列著他們店里的陳設:一個展示維也納裝飾藝術工廠珠寶的櫥窗(包括一些原本屬于弗洛格的珠寶),一張極簡主義桌子,都來自科洛曼·莫澤的設計。

      展覽現場


      同一展廳還展出了克里姆特1903年的《梨樹》,這是其受點彩派影響晚期風格的首批風景畫之一??死锬诽氐摹包c”卻有其獨特的精神,它既混亂又自然。修拉精心搭配兩種顏色以創造出第三種顏色的做法被克里姆特拋之腦后,狂野的圓點中點綴著淺綠色的梨子,再縮小成為遠處樹籬上的色點。

      克里姆特,《梨樹》,1903


      更引人入勝的展品包括其罕見的版畫作品集《Das Werk von Gustav Klimt》,展覽集中呈現了51張小型珂羅版照片中的26張,這些作品分別在三個展廳中展出,形成對克里姆特繪畫生涯的低聲回顧。這里還展示了更多他1890年代末的風景畫和反復出現的構圖技巧。一種是,在一些畫作的中心,垂直排列的人物或花朵被孤立,無論是像《向日葵》這樣的風景畫,還是他最著名的具象作品之一《吻》。 兩件柯羅版復制品并排懸掛在展覽的第二個展廳中。

      克里姆特,《向日葵》,1907-1908


      克里姆特的一些繪畫今天只存在于柯羅版復制品中。一些原作在第二次世界大戰中被摧毀;另一些被重新加工。例如,這里展示的克里姆特1902-1903年的《艾米麗·弗洛格肖像》,是他最早的裝飾性肖像畫之一。在作品集拍攝一段時間后,克林姆對其進行了重新加工,他加深了藍色、增加了閃耀的銀色,將圖案分割得更為細致,使其與他最近的作品保持一致。

      瀏覽這個展覽時,視覺和歷史上的聯系變得清晰起來?;舴蚵男蒯槼蔀榱诵』▓@,其中的花朵和樹木與克里姆特的風景對話——它們都是方形的,都帶著現代性。

      約瑟夫·霍夫曼,華麗的煙盒,1912


      當你到達展覽的第三個也是最后一個展廳時,你可能會發現另一個聯系——五幅晚期風景畫幾乎用它們密集的葉子填滿了整個空間。這些畫中的一些樹干有著蜿蜒的形狀,呈現出棕色、斑駁的綠色、黑色和灰色。

      克里姆特,《森林之家 II(花園)》,1914


      在它們的曲線和略帶幻覺的圖案之間,喚起了克里姆特的一些肖像主題和畫中人飄逸的服裝??死锬诽匚赐瓿傻摹独飦啞っ煽说男は瘛罚≒ortrait of Ria Munk II,1917-1918)懸掛在相鄰的墻上,這是一幅近似真人大小的畫,他以鉛筆粗略地描繪了一位頭發黑色的女人穿著寬松的花卉長袍。在她的身后,各種真實、或程式化、或變形成裝飾物的花束綻放,這是維也納分離派成就的草圖。

      展覽第三展廳


      展覽的優勢之一是彌合了藝術與工藝的界限。在20世紀的某個時候,批評家以“裝飾”貶低藝術家的成就。 然而一開始,現代主義的目標就是讓藝術更具觀賞性??死锬诽厥墙鸾车膬鹤?,他從珠寶、攝影、時尚、壁畫和建筑中汲取靈感。 藝術與設計之間的連續性是策展人真正的主題。

      將風景圍成方形,以攝影取景凝視大自然

      克里姆特出于自己喜好而創作了這些風景,沒有傭金或期限的限制。但它們仍然是可出售的,且價格不菲,克里姆特為自己每個在阿特湖的假期設定了目標。正如他在信件和明信片中所寫的那樣,他確實需要錢。他要贍養母親(成年后的大部分時間,他都與母親一起生活)、兩個未婚的姐妹、三個情婦和六個私生子。

      但如果不把風景看作是一位著名畫家私人興趣的揭露,而更多地將它看作是對他的藝術與維也納環境之間關系的思考,那么這場展覽就會變得更加豐富。 克里姆特是一位攝影愛好者,擅長使用相機,并且與海因里?!於?(Heinrich Kühn) 和雨果·亨內伯格 (Hugo Henneberg) 等專業人士關系密切。他們拍攝的照片看起來就像是用油畫渲染的,克里姆特將他們的美學轉化為油畫。

      克里姆特,《果園》,約1898年


      1897年,庫恩拍攝了一張樹木繁茂的草地照片,這張照片給原本平靜的景色增添了幽閉的戲劇性。 他將鏡頭保持在較低位置,將地平線抬高,壓縮了景深感,使田野陡然俯沖、樹木在天空的襯托下若隱若現??死锬诽卦诶L畫中嘗試過類似的效果,首先是在他的《果園》(Orchard,約1898年)中,濃密的深色樹木在翠綠的大地和錫白色天空之間劃定了一條不可逾越的邊界,構圖趨于抽象。

      克里姆特,《池塘邊的早晨》,1899年


      即使在戶外,克里姆特也喜歡限制自己的視野,通過望遠鏡或剪下的紙板取景器,將風景圍成一個整齊的正方形,觀察大自然。 在《池塘邊的早晨》(A Morning by the Pond,1899)中,觀眾可以通過倒影來了解樹林,在水中,它們似乎蕩漾著漣漪。一年后,他又創作了一幅近似攝影的油畫《大楊樹》(Large Poplar),畫中這棵名義上的樹像一個險惡的影子。

      克里姆特,《大楊樹》,1900


      在克里姆特到達那里之前十年,法國的后印象派畫家已經拒絕了將畫布作為窗口的想法。 他們不是照搬自然,而是渴望通過令人愉悅的色彩和形式的和諧改造自然。他們放棄了線性透視和造型,更喜歡遵循莫里斯·丹尼斯(Maurice Denis)對繪畫的定義:“本質上是一個平面,上面覆蓋著按一定順序組合的顏色”。

      克里姆特吸收了這一描述,仿佛它是一條戒律,尤其是在《卡默城堡公園》(Park at Kammer Castle,1909)中。這是一曲綠色的交響,綠藻池塘上,點綴著五顏六色的樹木,中間是一圈淡藍蘆葦??死锬诽剞饤壛巳案?,放逐了天空,只留下了純粹的表面,郁郁蔥蔥,圖案繁多,可以用作一件精美的禮服。

      克里姆特,《卡默城堡公園》,1909


      展覽中的所有元素都匯集在克里姆特的《向日葵》(1907-1908年)中,這是一朵開花的向日葵,根部是毛茛、三色堇和矮牽牛的爆發。 這幅畫可以被解讀為艾米麗的肖像,她穿著一件植物連衣裙,像分離派的月亮女神。至此,這場展覽終于有了完美的意義——風景、寓言、珠寶、帷幔和裝飾都融合在精致神秘之中。

      展覽現場


      注:展覽時間為2024年2月15日至5月6日,本文編譯自《金融時報》《紐約時報》和展覽網站。

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